Mes: marzo 2022

Notas

Swallow:El dolor hacia la aceptación

Autor de la entrada Por arbolrojocine
Fecha de la entrada marzo 31, 2022

Swallow:

El dolor hacia la aceptación

– Por Árbol Rojo.

Carlo Mirabella-Davis nos presenta su primer film de ficción, Swallow. A través de este thriller psicológico, protagonizado por Haley Bennet junto con Austin Stowell, Elizabeth Marvel, David Rasche y Laith Nakli, se adentra en lo que pareciera ser la vida perfecta de una mujer recién casada.

La película nos enseña la vida de Hunter, un ama de casa que está recién casada con un empresario adinerado, todo pareciera ir normalmente y sin complicaciones. La mujer lleva una vida encerrada en la casa que Richie, su esposo, le ha dado, aunque ella siente de alguna forma no pertenecer a esa vida. Todo transcurre así, en calma hasta que se da cuenta que está embarazada, esto pareciera dar un vuelco de 360 grados en la actitud de ella, quien desarrolla rápidamente un trastorno alimenticio, caracterizado por ingerir objetos no comestibles, conocido como pica. Su actitud no deja de evolucionar hasta que Hunter sufre la primera ida al hospital, donde debe enfrentar ante todos la situación que la aqueja.

Posteriormente con las sesiones con la psiquiatra que le ha impuesto la familia de su marido, se da cuenta del origen de la pica, algo tan escabroso que ni siquiera el hombre con quien se ha casado lo conoce. Pero por más que ella intenta mejorar no puede detenerse ante los impulsos irracionales que la llaman a tragarse todo lo que encuentre atractivo a su paso, poniéndola en riesgo y terminando en el hospital para ser operada y ser aislada en su casa aún más con un enfermero.

Hunter empieza a desconfiar de todos a su alrededor incluso de las personas que se supone deberían ayudarla, sin a donde ir y con varios problemas a la vuelta de la esquina, no puede liberarse del trastorno sin haber resuelto primero la causa que la ha aquejado desde su nacimiento. Finalmente ante las recaídas y la poca ayuda que tiene de quienes la rodean recibe como regalo su libertad por parte de su enfermero, Luay. Corriendo hacia lo desconocido para toparse de frente a su problema; su causa y su tormento.

Cuando se atreve por fin a confrontar de dónde proviene, mientras le muestran que es posible la redención en las personas, a pesar de los actos cometidos. Uno debe continuar o comenzar de nuevo, en esta ocasión siendo ella la que decida qué hacer con su futuro.

El director Carlo Mirabella-Davis usa el suspenso y la liberación como un medio para un fin, tal vez de enseñanza o solo de demostración acerca de los temas difíciles de los que nadie habla y de aquellos que se mantienen en secreto. El film provoca una inercia moral hacia lo que cada ser humano necesita, un viaje interno hacia las necesidades más primitivas de afecto y aceptación de otros e incluso de nosotros mismos. La interpretación de Haley Bennet muestra el buen desarrollo de un personaje que nos enseña que no solo es el exterior sino el interior lo que más cuenta de una persona.

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Drive My Car: Conducir hacia el perdón

Autor de la entrada Por arbolrojocine
Fecha de la entrada marzo 25, 2022

Drive my car :

Conducir hacia el perdón.

– Por Mauricio Orozco
@Eralvy

En el transcurso de una vida somos testigos del paso del tiempo, del deterioro de las cosas, y de las despedidas de las personas. Algunas despedidas se incrustan y se inflaman en el pecho, generando dolencias de la memoria, desatendidas o incluso ignoradas. En el cine comúnmente nos encontramos representaciones del duelo, que tratan de materializar aquello difícil de explicar con las palabras, sin embargo, han sido pocos los que se han acercado a la representación del desasosiego frente al duelo y la ternura del perdón con sagaz sensibilidad y creatividad.

La obra de Ryusuke Hamaguchi normalmente se centra en las relaciones interpersonales, en la manera en que nos relacionamos con otrxs, generando narraciones que se rigen por la realidad cotidiana, pero que a su vez abren un limbo a la ensoñación, permitiéndonos mirar en su interior y acceder a sus emociones y sentimientos.

Drive My Car es el noveno largometraje de ficción del cineasta japonés, en donde nos narra la historia de Yūsuke Kafuku (Hidetoshi Nishijima), un director de teatro quien, después de dos años de la repentina muerte de Oto (Reika Kirishima) su esposa, es invitado por una compañía de teatro en Hiroshima para hacer una residencia en donde deberá montará la producción: Uncle Vanya de Antón Chéjov. Como parte de su colaboración le asignan como chofer a Misaki (Tōko Miura), quien se encargará de asegurarle un traslado seguro y confiable. Kafuku y Misaki aprovecharán sus trayectos en auto para conectar poco a poco sus emociones y perdonar sus respectivos pasados.

La base del guion de la película es el relato corto homónimo perteneciente a “Hombres sin Mujeres” (2014) del escritor Haruki Murakami. En donde se conjuntan siete relatos que rondan en torno al aislamiento, la soledad y el duelo, a partir de la perdida de una pareja sentimental, mostrando el pasado bajo un aura tormentosa que deja un rastro imborrable en sus parejas. Sin embargo Hamaguchi y Takamasa Oe (co escritor del guion) no solamente toman como base la idea de la perdida, sino que desarrollan un terreno fértil en donde se conectan una serie de personajes heridos, rotos, solitarios y necesitados que no han tenido la oportunidad de sanar para soltar el dolor que les aqueja.

Es importante mencionar lo anterior para entender las múltiples capas intertextuales con que se entreteje una narración que se apoya de elementos tanto de Murakami como de Chéjov, para resignificarles y otorgarnos una propuesta que usa el lenguaje del cine, del teatro y de lo cotidiano, para representar una historia de sanación individual y colectiva a partir de figuras simbólicas y significantes universales.

Después de la muerte de Oto, Kafuku solamente tiene las cintas de su voz que recitan imparablemente la obra de Chéjov, la cual repite una y otra vez, como si se aferrara a aquellas palabras que se centran en el deterioro de la vida a partir de los sentimientos de hastío y tedio, como si conectara con esa visión dolida con la que todos nuestros personajes se van conectando e incluso complementando.

Tratando de evadir la melancolía, el director explora las oportunidades que se van dando en los rituales habituales para tratar de conectar con otrxs desde la empatía, buscando darle sentido a aquello que aparentemente no lo tiene y que surge del dolor arraigado en la memoria y el corazón. El simple hecho de conducir nos sugiere una representación de la soledad, la necesidad, la compañía, el recuerdo y en momentos hasta aquel vehículo literal y figurativo del trayecto entre el dolor y el perdón.

Planos largos del Saab 900 Turbo rojo conducido magistralmente por Misaki contrastan el paisaje frío de Hiroshima y los sentimientos distantes de Kafuku. Los monólogos grabados, o de los ensayos del montaje se van posicionando como una voz narradora que conecta lo visual con lo simbólico abriendo una pertinencia en los temas que se desarrollan.

La cinta de Hamaguchi es una invitación a escuchar los sentimientos, a otorgarles la importancia necesaria para entendernos y entender a los otrxs sin juzgar sino aprendiendo a vivir, incluso desde el dolor. Por medio de una alegoría, sugiere el auto como un punto de encuentro y conexión, no solo entre personajes, sino entre el tiempo y los sentimientos. Un espacio de convivencia en donde convergen los deseos del corazón y confluyen con el perdón; conduciendo el camino desde la eterna negación por el proceso abnegado, hasta la liberación. Ya que como menciona Sonia en Uncle Vanya; “Nos regocijaremos, y con tiernas sonrisas en nuestros rostros, recordaremos nuestro dolor actual. Y luego, por fin, descansaremos. Yo lo creo. Lo creo firmemente desde el fondo de mi corazón. Cuando llegue ese momento, descansaremos”.

La película se estrenó en México en el marco de la décimo segunda edición de FICUNAM, llegó a selectas salas de cine el 17 de marzo y estará disponible en Mubi a partir del 1º de abril del 2022.

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La peor persona del mundo: La identidad de la nueva generación

Autor de la entrada Por arbolrojocine
Fecha de la entrada marzo 24, 2022

La peor persona del mundo:

La identidad de la nueva generación

– Por Árbol Rojo.

The Worst Person in The World (2021), la más reciente producción de Joachim Trier, nos narra la vida cotidiana de una joven llamada Julie (Renate Reinsve) y cómo ella toma decisiones que repercuten en su futuro tanto positivamente como de manera negativa.

Julie es joven, estudia en la universidad pero al igual que miles de personas en el mundo sientequelasdecisionesquetomaacadapasosonunaequivocación. Primero con su carrera y las razones para escogerla posteriormente vemos esto trasladado a sus relaciones de pareja y familiares.

La protagonista pasa de estudiar medicina a psicología para finalmente llegar a la fotografía. Mientras su madre, Eva la ve brincar de un lugar hacía otro sin sentido, sin brújula. Para la joven su vida inestable se transcribe en su mundo romántico, pasando de pareja cada vez que salta hacía una nueva carrera, hasta que encuentra en un bar a Aksel (Anders Danielsen Lie). Un hombre diez años mayor que es un famoso novelista gráfico. Algo misógino, un poco sobrevalorado y expectante ante ella.

Julie sirve a la vez hacia el espectador como una herramienta de reflexión respecto a la forma en la que nosotros, como personas, tomamos nuestras decisiones. Nos adentramos en lo que deberíamos hacer y las decisiones que deberíamos de tomar a cierta edad, en la forma en la que se supone debemos desarrollarnos para así crecer.

Mientras Aksel tiene sueños, como ser padre y empezar una familia, Julie no comprende estas palabras de un futuro que desea aplazar con todas sus fuerzas, siente que no puede ahogarse en el mar en el que se metió con Aksel pero al mismo tiempo estar con él es subir al bote y alejarse de la orilla para siempre. Redefiniendo el concepto que tiene de ella misma y perdiendo su identidad poco a poco en su relación, para finalmente sentirse como un personaje más en su propia vida.

Durante su relación desgastada con Aksel, Julie conoce a Eivind (Herbert Nordrum) en una boda en la que se cuela. En una noche se enamoran y no dejan que sus respectivas parejas les impidan pasar un rato tan íntimo como si ellos dos estuvieran juntos. La relación se vuelve embriagante al punto de no querer decir adiós. Tanto Julie como Eivind tenían ese espíritu errante, sin mapa, con posibilidades de ir a donde las circunstancias les llevaran. Incluso si era hacía alguien que apenas acababan de conocer.

Ella puede percibir que ya no sabe hacía dónde se dirige, qué la hace feliz o qué es lo que se supone que necesita. Lo único que tiene en cuenta es esa necesidad de euforia que le dio Eivind aquella noche. Julie deja a Aksel por su libertad e independencia que cree necesitar desesperadamente sin darse cuenta que cambiar su entorno no es corregir su situación interna con ella misma. Rápidamente corre hacía Eivind que la espera anonadado, dejando a su novia de lado por Julie.

Mientras ambos recorren el nuevo camino de una relación naciente, apasionada y llena de ilusiones se empiezan a dar cuenta de que ese arcoíris que habían trazado no es real y solo es una fantasía creada para llenar el vacío. Por un lado Julie busca comerse el mundo en la escritura y fotografía mientras Eivind pareciera a gusto con un trabajo sencillo en una cafetería. Situación tras situación llevan al quiebre de esa creación para enfrentarse a la realidad, Julie perdió su identidad en el trayecto de su juventud.

Tiempo después de dejar a Aksel, ella recibe la noticia por un amigo en común de que él se encuentra internado en el hospital. Ambos se dan cuenta a través de un viaje muy personal, que lo suyo era único. Comienzan a adentrarse en la sinceridad que debieron haber tenido siendo pareja, reflexionando en sus decisiones en cada paso de su relación. Aun cuando ya todo está perdido, Aksel y Julie sienten la conexión más intensa y potente que jamás vivieron, trasladándose más allá del tiempo y del espacio.

La peor persona del mundo es una película visceral que genera una reflexión interna en lo que respecta a hacer correctas las cosas y la expectativa de ser la mejor versión de uno mismo. El film fue nominado a mejor largometraje internacional y mejor guión original en los Premios Oscar de este año. Nos adentra en cómo vemos la vida cotidiana de una persona y cómo cada acción conlleva una reacción negativa o no. A veces uno simplemente debe estar perdido para finalmente encontrarse a sí mismo. Esta es la propuesta de Joachim Trier (Thelma, 2017), intentando mostrar los altibajos de la vida actual y la travesía para encontrar la estabilidad interna que todos buscamos.

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Black Sun: Una redención en la oscuridad

Autor de la entrada Por arbolrojocine
Fecha de la entrada marzo 18, 2022

Black Sun :

Una redención en la oscuridad

– Por Árbol Rojo.

Este documental realizado en Colombia nos narra la historia sobre una cantante de ópera llamada Antonia, quien en ese momento se encontraba en un proceso de rehabilitación por consumo de drogas; ya que estuvo al borde del suicidio. Su historia es triste, sin embargo no logra atrapar al espectador, debido a que ni las imágenes ni el relato tienen que ver en lo más mínimo con el acontecer de nuestra cotidianidad. El cortometraje tiene una nula conversación ya que cada una de las hermanas expresa su punto de vista sin interacción la una con la otra, es decir cada una habla desde su perspectiva; hasta el final que es donde tienen un encuentro y dejan de estar cada una por su lado, para compartir la mesa e interactuar en una conversación intensa demostrando tristeza y dolor.

La voz de Antonia sobresale por su gran calidad musical siendo el elemento principal de la banda sonora del documental, mostrando así el dolor que ella tiene por estar apartada de su familia, encontrando una vinculación en la historia de estas dos hermanas para mostrar la posibilidad de redención después de tanto sufrimiento.

La duración de algunas tomas permitirán al espectador analizar cómo se siente con respecto a lo que está ocurriendo y decidir si vale la pena esta u otra escena, es ahí donde se puede tomar un respiro para que cada quien pueda centrar su opinión crítica, ya que estos planos ayudan a expresar los puntos de vista de Antonia y su hermana, volviéndolo una experiencia interesante que muestra cómo la misma historia explicada por una hermana o la otra da diferentes puntos de vista, como si se tratara de dos mundos diferentes; hasta que se encuentran en una anécdota en la que finalmente están de acuerdo.

Es una película franco-colombiana en donde podemos encontrar una buena cantidad de paralelismos con la realidad que viven las familias en México, demostrándonos que una dolencia en apariencia local puede ser un problema compartido con otros países de América Latina.

Black Sun es un corto documental que nos narra lo difícil que llega a ser una adicción y cómo pueden las personas recuperarse después de una adicción a sustancias adictivas, pero sobre todo es una enseñanza sobre los valores de la familia y el apoyo cuando un ser querido lo necesita.

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The Souvenir Part II: El viaje interno de un amor deshecho

Autor de la entrada Por arbolrojocine
Fecha de la entrada marzo 18, 2022

The Souvenir Part II:

El viaje interno de un amor deshecho

– Por Árbol Rojo

The Souvenir (2019) es un film en dos partes, dirigido por Joanna Hogg. La historia situada en Inglaterra en los años 80 cuenta cómo Julie (Honor Swinton Byrne) una joven, que estudia en la escuela de cine Raynham. Ella es creativa, proviene de la clase acomodada pero con cierto interés por el exterior, más allá de su burbuja. Mientras intenta balancear todo en su trabajo final para poder graduarse, todo se ve truncado por Anthony, un hombre que conoció en un bar, que trabaja para el Ministerio de Relaciones Exteriores del país. Toda la relación pareciera ir bien, un poco romántica algo caótica que envuelve a cualquiera de una forma extravagantemente increíble y hace sentir que la relación durará para siempre hasta que la parte caótica se vuelve como un tornado incontrolable que arrasa todo a su paso.

La continuación de esta historia: The Souvenir Part II (2021), muestra a una Julie perdida ante una marea de emociones ocultas que parecieran no surgir a la superficie, mientras persigue el rastro de la tragedia que ha acabado con Anthony y su recuerdo aún plasmado en su mente. El poder comprender cómo volver a empezar de nuevo, sin siquiera entender cómo terminó abruptamente todo. Su madre, Rosalind (Tilda Swinton) le ayudará a comprender que a veces hay relaciones que deben romperse para dar paso a tiempos mejores.

Por momentos el film nos muestra la cara de Julie estando sola, finalmente, algo que ni siquiera ella comprende ya que siente esa “necesidad” de pertenecer a alguien, y de tenerlo a su lado. Pero por supuesto también observamos su anhelo de soledad para procesar lo sucedido, cuando de repente a ella se le presenta la oportunidad única de deshacerse del dolor, de dejarlo ir y sentirse libre a través de su obra cinematográfica de graduación. Los riesgos que toma son muchos, ya que en el papel de directora ve su propia vida desde el set de grabación, mientras a su vez analiza la triste realidad de no entender las acciones del personaje principal y mucho menos del secundario. Viéndose reflejada en el espejo del film sin reconocerse en pantalla.

De esa forma Julie intenta abarcar la historia de amor, dolor y traición que vivió con Anthony quien sufrió una desgracia. La realidad y las críticas en el set golpean a la protagonista pero en lo más profundo de ella sabe que tal vez, su historia con él podría haber terminado diferente. La pérdida que afronta esta mujer no se ve desde el lado dramático sino del dolor punzante que la rodea, recordando los momentos vividos a través de su film para dejarlos ir y cerrar el capítulo.

Mientras la producción de su película está en grabación se aprecia cómo a ella le pasa una factura el estrés y la desilusión con la que se ha topado acerca de su antigua pareja. No puede entender cómo los síntomas negativos de su relación recaían en lo que Anthony sufría y que a veces sin siquiera ella darse cuenta no estaba presente sino abstraído por sus delirios. Generando que ella perciba que en lo profundo de su ser, jamás lo conoció realmente.

El guión, dirección y edición de este film se vuelven abrumadores, de forma positiva dado que retrata cada detalle con exactitud. Nos muestra como todos los actores que contribuyeron a esta obra sacaron el máximo partido aprovechando cada segundo de filmación para añadir una idea, un detalle o un sentimiento. Culminando en una película tridimensional que muestra el carácter de cada personaje. El elenco está conformado por: Honor Swinton Byrne, Jaygann Ayeh, Richard Ayoade, Ariane Labed, James Spencer Ashworth, Tilda Swinton, Harris Dickinson, Charlie Heaton y Joe Alwyn.

El film The Souvenir Part II refleja lo complejo que son las relaciones humanas, lo difícil que es sobreponerse ante una muerte súbita, pero sobre todo, volverse a encontrar a uno mismo a través de esos acontecimientos. La forma impresionante que la directora Joanna Hogg centra bajo una lupa los sentimientos de soledad, abandono, tristeza e inflexión, solo la ponen un pedestal emocional en el cine. Sin duda la segunda parte de la entrega se vuelve arrolladora ante la realidad que sufre el personaje principal y lo designios que le depara el futuro lleno de esperanzas y sueños.

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Edición 12° de FICUNAM: Todo lo que debes saber.

Autor de la entrada Por arbolrojocine
Fecha de la entrada marzo 11, 2022

Edición 12º de FICUNAM :

Todo lo que debes saber

– Por Árbol Rojo.

El Festival Internacional de Cine UNAM fue creado en el 2011 para promocionar cine independiente y celebrar las propuestas creativas contemporáneas, yendo a profundidad en el impacto que este tiene en nuestra sociedad y la evolución de las tendencias en cine. Esta exposición cuenta tanto con filmes mexicanos como internacionales y justo por esto se ha posicionado como el festival más esperado de la capital. El festival se ha posicionado como uno de los eventos más incluyentes porque presenta tanto renombrados cineastas como aquellos que apenas están emergiendo, abriendo una conexión entre lo clásico y lo actual.

Esta celebración de cine se desarrolla con ayuda de diferentes salas universitarias y lugares de exposición como son: el Centro Cultural Universitario, el Cinematógrafo del Chopo, la Casa del Lago, la Cineteca Nacional, el Complejo Cultural Los Pinos, Cine Tonalá, el Museo El Eco, el MUAC entre otros tantos. Además de una versión virtual, que a partir de los últimos años se ha vuelto una extensión para todo México, gracias a la colaboración creada con plataformas como MUBI Latinoamérica, Filmin Latino, Canal 22 y TV UNAM, de esta forma más allá de las fronteras existirán espectadores.

Teniendo una amplia gama de películas de distintas partes del mundo hemos seleccionado una lista con 8 largometrajes que marcan lo que se espera de este evento:

Drive my car (2021, Japón) Yusuke Kafuku, actor de teatro y director, está felizmente casado con Oto, una guionista. Sin embargo,ella muere. Dos años más tarde, Kafuku, aún incapaz de afrontar lo sucedido recibe una oferta para dirigir una obra de teatro en un festival de teatro y se dirige a Hiroshima en su coche. Allí conoce a Misaki, una mujer reticente asignada para convertirse en su chofer. Mientras pasan tiempo juntos, Kafuku se enfrenta al misterio de su esposa que lo persigue en silencio.
Songs for Drella (1990, Estados Unidos) dirigida por Ed Lachman. La película nos cuenta la historia de 2 músicos que estuvieron separados por 20 años pero estos se vuelven a reunir para hacer un álbum del mismo nombre de la película y promocionarán el álbum en conciertos y ruedas de prensa pero una vez acabado este periodo nunca volverían a tocar material del álbum.
100 minutos (2021, Rusia) dirigida por Gleb Panfilov. Es la historia de miles de soldados soviéticos que lucharon contra los nazis y cuyo único «crimen» fue que los arrestaran. La justicia que Stalin aplicó a los prisioneros que volvieron a casa fue rápida: diez años de trabajos forzados en los campos de Siberia.

Algo así como la noche (2021, España) del director Alván Prado. En una fría tarde de abril, a la bajada de una montaña, Marcos e Iván se verán enfrentados a decidir si ocultar o hacerse responsables de un acto que acaban de cometer.
Dioses de México (2022, México) del director Helmut Dosantos. Documental que trata sobre la resistencia a la modernización en el México rural que a la vez es un homenaje al ser humano y a su labor cotidiana.
La venganza es mía, todos los demás pagan en efectivo (2021, Indonesia) dirección de Edwin. Ajo Kawir es un luchador que no teme a nada, ni siquiera a la muerte. Su furiosa urgencia de luchar está impulsada por un secreto: su impotencia. Cuando se cruza con una dura luchadora llamada Iteung, Ajo recibe una golpiza, pero también se enamora perdidamente.
La noche de enfrente (2012, Chile-Francia) dirigida por Raúl Ruiz. Basada libremente en la novela homónima del escritor chileno Hernán del Solar. Siendo su última obra completada.La historia en sí trata acerca de un anciano jubilado, Don Celso, quien esperando su muerte inminente, revive escenas de su infancia, a veces reales, a veces inventadas. El tema central del filme cuenta el paso del ensueño a la pesadilla.
El Laberinto (2018, Colombia-Francia) bajo la dirección de Laura Huertas Millán. Un viaje dentro de los laberínticos recuerdos de un hombre involucrado en el ascenso y la caída de los líderes de los carteles de la Amazonia colombiana.

FICUNAM se llevará a cabo en la Ciudad de México del día 10 al 20 de Marzo del 2022 en formato híbrido, priorizando las actividades presenciales, buscando re-conectar aquella distancia que la pandemia nos dejó. La 12° edición se inaugurará con un homenaje a Ed Lachman director y cinematógrafo estadounidense, y un programa que incluirá una oferta de 170 películas de diferentes matices, estilos y técnicas, que engloban a 43 países alrededor del mundo.

En la selección oficial son 12 los trabajos que están seleccionados para la Competencia Internacional. Igualmente en la sección Ahora México están 12 films que retratan el cine nacional. La sección Aciertos: Encuentro Internacional de escuelas de Cine, cuenta con 9 películas. Todas estás serán premiadas con el icónico premio Puma de Plata, que es tan representativo de FICUNAM. Se plantean dos retrospectivas, que celebran por un lado, al cineasta chileno Raúl Ruiz, y de igual forma, a la realizadora Larisa Shepitko, donde se podrá disfrutar de una gran selección de su trabajo, en versiones restauradas. Aunado a esto se le dedicará el foco a Vadim Kostrov, cineasta ruso de apenas 23 años. Se celebrará una obra en franco apogeo, con una mirada imparcial sobre el paso del tiempo y la diversión de la juventud contemporánea.

Recuerda que si quieres asegurar tu lugar dentro de las actividades del festival, puedes checar los horarios de películas, sedes, comprar boletos o inscribirte para las actividades directamente en su sitio oficial: ficunam.unam.mx.

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Batman: La verdad, la realidad y las mentiras

Autor de la entrada Por arbolrojocine
Fecha de la entrada marzo 10, 2022

BATMAN :

La verdad, la realidad y las mentiras

– Por Árbol Rojo

Batman no es lo que creíamos. Todo lo que aprendimos y percibimos de él solo era la punta del iceberg. ¿Dónde está ese hombre que lucha por saber la verdad? ¿Batman tiene una parte humana o es frío como el hielo? ¿Qué impulsa a una persona a traspasar el bien y el mal? ¿Si Batman solo quiere venganza, solo se interesa en él? Todas las respuestas las tiene Matt Reeves en su nueva película.

The Batman (2022) maneja siempre un intrigante ambiente lleno de tensión y hace al espectador sentir que en cualquier momento algo terrible sucederá, mientras esto ocurre, vemos a un Batman muy diferente en pantalla. Este es interpretado por Robert Pattinson que reclama el nombre de este antihéroe de la forma más inesperada, mostrando a Bruce Wayne más humano, real e incluso vulnerable. A su vez vemos a Gatubela/Selina Kyle interpretada por Zoë Kravitz, una acompañante en el club Silver Lounge, mientras en la oscuridad desaparece como la gata y va hacía una dirección más impulsiva adentrándose a lugares que ni siquiera el protagonista es capaz de llegar. El nuevo villano de esta entrega es el Acertijo (Paul Dano) quien busca retornar a la realidad a los ciudadanos de lo que representa la ciudad de Gótica y las mentiras que conserva.

El acertijo maneja durante toda la película las migas de pistas que le deja a Batman, al mismo tiempo que los ciudadanos se quedan expectantes ante los hechos que ocurren en Gotham. Con cada enigma que lanza este villano demuestra su poder ante aquellos que tienen poder ilimitado, masacrando todo a su paso. Todo esto junto con la visión de una Ciudad Gótica sumida en el caos y la inseguridad llegando a su límite. La naturalidad con la que este nuevo largometraje recorre lugares siempre incómodos de tocar, cuando todo el sistema está podrido desde adentro alguien tendría que alzar la voz, pero en esta historia es el villano quien usa el miedo a su favor.

En cuanto a otros personajes esperados, se encuentra Colin Farrell como el pingüino, gangster dueño del Silver Lounge. Andy Serkis como el cuidador y mayordomo de Wayne, Alfred. Por el lado de la ley está Jeffrey Wright en la piel del Comisionado Gordon. Estos personajes se internan en la trama ya sea para ayudar a Batman o perjudicarlo, al mismo tiempo que este solo busca hacer lo mejor posible para toda la ciudad en una carrera contra la hipocresía.

Hemos visto muchas versiones de este héroe, como las versiones con tintes cómicos hasta las más oscuras como Batman: El caballero de la noche, es importante recalcar que la visión para esta película estuvo muy bien expresada ya que Matt Reeves el director fue también el guionista y esto ayuda a que se pueda ver una perspectiva nunca antes vista del personaje. El director ha contado en entrevistas que su inspiración para el nuevo Batman han sido los cómics “Year one” de Frank Miller , “Ego” de Darwyn Cooke y “The Long Halloween” obra de Jeph Loeb y Tim Sale. Todo este trasfondo ha brindado también a la estética del esta película un fuerte estilo Neo-noir que desarrolla a la perfección la vida en Gótica.

Las escenas de acción son excelentes, como en toda película de Batman estas no dejan de ser épicas sobre todo en las de las persecuciones en el Batimóvil sin dejar de lado la batalla final. Estas representaciones con sus nuevas adaptaciones están creadas con base a una expectativa de modernidad sin dejar lo intimidante de estos. La audacia del nuevo Batman refleja la juventud de éste, quien hará lo necesario para lograr sus objetivos.

La banda sonora de la película compuesta por Michael Giacchino no hace una entrada triunfal ya que se vuelve repetitiva y sin muchos cambios de tono en escenas fuertes o de acción. Sin duda está hecha más para Bruce Wayne que para Batman. Lo más rotundo en calidad de sonido no es la música sino la presencia de los sonidos de la misma película, lo que reduce la emoción que hemos visto en películas anteriores. La cinta es un poco larga con casi tres horas de duración, pero sin siquiera sentirse en absoluto.

Las actuaciones de los actores principales han llegado muy alto, no solo por el hecho de que estos personajes han sido retratados anteriormente y las expectativas estaban por los cielos.Tanto Robert Pattinson, Zoë Kravitz, Andy Serkis y Jeffrey Wright han dado el “refresh” que se necesitaba ante las múltiples facetas de los personajes. Lo han hecho tan bien que están casi llegando a ser icónicos. Y no podíamos olvidar a unos cuantos personajes nuevos, el acertijo y el pingüino. Dano y Farrell crean una muy buena impresión para ponerles cara estos personajes que no habíamos visto recientemente plasmados en pantalla, haciéndolo con mucho éxito, quedándonos aficionados de ellos.

La nueva versión de Pattinson se convertirá sin ninguna duda en uno de los más recordados por este rol, quedando impreso en la memoria de todos. La cinta no te la puedes perder ya que abarca una perspectiva única de Batman que muestra su yo interior más que nunca.

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50 años de “El Padrino”

Autor de la entrada Por arbolrojocine
Fecha de la entrada marzo 9, 2022

50 años de «El padrino»

Legado e historia del cine.

– Por Árbol Rojo.

Este año la primera parte “El padrino” de Francis Ford Coppola, cumple 50 años. La famosa historia de la familia Corleone planea una celebración a lo grande volviendo a ser estrenada bajo un proceso de remasterización con una resolución a 4K, presentándola en cines selectos.

La película está adaptada en la novela del mismo nombre escrita por Mario Puzo. La productora encargada de la restauración de esta icónica película fue American Zoetrope junto con Paramount Pictures, en palabras de Andrea Kalas (vicepresidenta senior) “Ha sido todo un privilegio restaurar estas películas, en una labor que nos llenó de admiración cada uno de los días que dedicamos al proceso”. Todo el proceso llevó 4 mil horas, entre anomalías, manchas y correcciones de color; cabe recalcar que el proceso fue supervisado nada más y nada menos que por su director Francis Ford Coppola y el guionista Gordon Willis.

El padrino narra la historia de la familia Corleone, miembros de la mafia italiana en Estados Unidos. Cuando el padre de esta familia, Vito Corleone, un hombre de avanzada edad, que después de un ataque en su contra ve a su imperio en peligro, por lo que debe sobrevivir para pasarle el imperio a uno de sus hijos. La decisión se encuentra en sus hijos: Santino “Sonny”, Alfredo y Michael. A merced de los enemigos que los rodean deberán restaurar su posición antes que sea demasiado tarde.

A continuación te presentamos unos datos curiosos de la película:

El gato que sujeta Vito Corleone al principio de la película durante la boda de su hija Connie era callejero.
George Lucas el creador de Star Wars filmó algunas escenas.
Marlon Brando utilizó una prótesis dental para rodar las escenas y así pudiera hablar de la forma en que lo hizo.
Robert De Niro audicionó para el papel de Sonny.
La cabeza del caballo decapitado era de verdad.
En el guión no está escrita la palabra “mafia”.

Para que una película pueda llegar a ser tan respetada y aclamada debe tener una absoluta cohesión entre la trama, la producción y los actores, logrando historias importantes que trasciendan. Interesante anécdota que contó Al Pacino sobre la relación que tuvo con Marlon Brando, ya que este último, incluso después del rodaje de la película, lo siguió llamando Michael mientras Al Pacino siempre lo llamó “Mr. Brando”, lo cual habla de la buenas relación que hubo entre los actores.

Es increíble como en este largometraje se muestra el poder que puede llegar a tener la mafia, también es interesante como ocurre en la vida real, ya que las personas quienes participan en diferentes organizaciones criminales, tampoco se mencionan así mismos como tales, con lo cual podemos ver el poder que puede llegar a tener esta cinta en la historia en general, habiendo dado un formato de autodenominación a diferentes grupos criminales, por esta y más razones, “El Padrino” ha merecido definitivamente ser considerada como un largometraje de culto que ha marcado a varias generaciones del significado de ser un gangster.

Francis Ford Coppola abarca los actos criminales de la familia Corleone de una forma magistral, donde durante las casi tres horas se puede apreciar la exactitud con la que el director administró la violencia, el reflejo del capitalismo norteamericano, el suspenso y por supuesto la sensacional trama que hasta hoy sigue atrayendo a nuevas audiencias.

Fue estrenada por primera vez en 1972 contando con las actuaciones de Marlon Brando, Al Pacino, Robert Duvall, Talia Shire, James Caan y Diane Keaton.

Sin duda “El Padrino” es el referente ante las películas de mafiosos y gangster que cuenta con la parte II y III que prolonga la narrativa de una manera exquisita ante una familia que solo se sirve en charola de oro, tan solo hay que escuchar la canción de El padrino Love Theme sonar para predecir que los Corleone están cerca.

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