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La Sociedad de la Nieve: el compromiso de contar una historia

– por Joshua Solana

Durante el rodaje de Lo Imposible (2012), el director J. A. Bayona habría de encontrar confort y consuelo en un libro escrito por Pablo Vierci el cual hablaba, de una manera poco convencional, sobre el accidente ocurrido en Los Andes en 1973, conocido popularmente como El Milagro De Los Andes. Aquel libro, titulado La Sociedad de la Nieve, le sirvió al director como alimento para el alma, pues años más tarde lo describiría como un libro filosófico y espiritual con el cual logró afrontar la difícil travesía que fue el rodaje de su segunda película. Terminado el rodaje de ésta, Bayona compró los derechos del libro para llevarlo a la pantalla grande, un sueño que le tomaría más de una década realizar.

El sueño de contar una historia sorprendente, le tomaría a J. A. Bayona alrededor de 12 años.

El libro de Vierci se destaca al relatar de manera cercana a los supervivientes los 71 días que pasaron atrapados dentro de la cordillera de los Andes, expuestos a un clima extremo y a decisiones sumamente difíciles como la de recurrir a la antropofagia para sobrevivir o la de recorrer la cordillera en busca de ayuda. Pablo Vierci conocía a los supervivientes aún antes de que éstos fueran conocidos mundialmente por el accidente, por lo que esta historia no le era completamente ajena. Con entrevistas a sus amigos y a familiares de los no supervivientes, Vierci escribe un libro sumamente empático con las víctimas, dejando de lado el sensacionalismo con el que la historia suele contarse y también enfocándose en las personas que no llegaron a sobrevivir, usualmente enterradas sobre la historia de los que sí lo hicieron. Todos estos elementos hicieron que J. A. Bayona viera en el libro una historia de fraternidad y colectividad, pues, como el nombre lo indica, los sobrevivientes tuvieron que crear una sociedad en la que se necesitó de todos (hasta de los fallecidos) para poder vivir.

Pero el director no la tuvo fácil. Aún con el éxito que fue Lo Imposible, ninguna productora quiso financiar La Sociedad de La Nieve, Hollywood no estaba muy contento con la idea de realizar una película de habla no inglesa y con actores desconocidos. Cuenta Bayona que le tomó muchos años y reuniones conseguir financiamiento, incluso llegó a considerar la idea de irse por la vía independiente y autofinanciar la película. Pero el director sabía que necesitaba conseguir un financiamiento digno para poder contar la historia como merecía ser contada, pues J. A. había tomado la decisión de grabar en los Andes, en el lugar del accidente, así como en España en Sierra Nevada, a más de 3 mil metros de altura. Fue gracias a Netflix que el financiamiento se consolidó y 12 años después hemos podido presenciar la historia tal como el director la había soñado. 

Y la película de J. A. Bayona ha estado a la altura, pues el director tomó decisiones fundamentales para que el espectador pudiera comprender la importancia de cada una de las personas que vivió aquel accidente. Desde poner como personaje principal a un no superviviente, hasta la puesta en cámara que se toma el tiempo con cada personaje, el director va alimentando ese interés del público por conocer a sus personajes, de empatizar con ellos y de preocuparnos junto a ellos.

Desde el guion hasta la puesta en cámara, J. A. Bayona decide darle protagonismo a cada superviviente.

Es de destacar el compromiso que cada departamento tomó para con la película, los actores bajaron más de 20 kilos en una dieta estricta para poder representar de manera fidedigna las consecuencias de pasar 71 días en la nieve. Los maquillistas estudiaron por muchos meses las consecuencias de exponer la piel a temperaturas tan bajas y el rodaje se hizo cronológicamente para que tanto el peso de los actores como el maquillaje de sus heridas fuera evolucionando de manera gradual. También, el departamento de diseño de producción se las vio duras, pues tuvieron que recrear 5 veces la cabina del Fairchild Hiller en el que viajaban los personajes, así como el transportar dos de éstos a las altas montañas de Sierra Nevada. Todos esto contribuyó a que la película tuviera un gran impacto en el que la viera, siendo aclamada por el público como por la crítica, pues es la tercera película más galardonada en la historia de los premios goya, estuvo nominada a mejor película internacional en los Globos de Oro así como en los Oscars y ahora se perfila como la favorita para ganar el premio Platino a Mejor Película Iberoamericana De Ficción. 

Todos los departamentos se comprometieron en llevar a la ficción uno de los accidentes más conocidos mundialmente.

Sin duda estamos ante la mejor película de J. A. Bayona hasta el momento, una cinta que por momentos es cruda y fría como una noche en los Andes, pero que encuentra dentro de la colectividad, el compañerismo y la comunidad la calidez necesaria para que los personajes logren seguir adelante, recordando y agradeciendo a aquellos que no sobrevivieron pero que fueron fundamentales para la supervivencia de los otros. El puesto de dirección no es más que la decisión de dónde poner la mirada, en qué enfocar la cámara y qué transmitir al espectador y sin lugar a dudas, J. A. Bayona ha dado justo en el clavo, pues donde otros podrían encontrar una historia de heroísmo sobre unos cuantos o de sensacionalismo, el director decide mostrar la historia de un colectivo que hizo lo imposible para sobrevivir, así como él que hizo hasta lo imposible para contar la historia de cada una de las 45 personas a bordo del vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya. 

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Mi amigo robot: ¿Sueñan los robots con vínculos afectivos?

– por Joshua Solana

Adaptación de la novela gráfica homónima de Sara Varón, Mi amigo Robot es una película española de animación que cuenta la agridulce historia de Dog, un perro solitario que encontrará compañía en un simpático robot con el cual compartirá los días de verano en la ciudad de Nueva York de los años ochenta.

Sara Varón, la creadora e ilustradora de la novela gráfica en la que se basa la película, ha declarado que se siente incómoda al dibujar humanos, que le resulta más cómodo y fácil inclinarse a dibujar criaturas y es por esto por lo que en el universo de la película los humanos no tienen cabida, sino que el Nueva York ochentero que nos ofrece el director Pablo Berger, está plagado de animales antropomórficos y robots que se venden a través de infomerciales. Es en uno de estos infomerciales en el que nuestro solitario protagonista conoce al que será su nuevo amigo de hojalata. Pronto, Robot va aprendiendo de su compañero y descubre las calles de la ciudad junto a él. Desde un viaje en metro hasta patinar al ritmo de September de Earth, Wind & Fire, la amistad que nuestros protagonistas desarrollan va colmando de colores y contrastando con la solitaria vida que tenía Dog antes de conocer a su amigo.

La amistad que desarrollan Dog y Robot, va colmando de colores la vida de ambos.

La película destaca por su calidez y simpleza, todo dentro del universo planteado por Berger está enfocado en ello, pues desde la colorida animación 2D, la decisión de prescindir de diálogos y el acompañamiento tan natural que tiene la música de Alfonso de Vilallonga, los espectadores nos vamos familiarizando con los protagonistas y sus motivaciones. Todos alguna vez hemos sido Dog caminando por las calles de la ciudad sintiéndonos extranjeros y solitarios, pero también hemos sido Robot, conociendo el mundo a través de los ojos del que nos acompaña. Y si el primer acto de la historia sirve para alegrarnos el corazón al ver la hermosa amistad que forman los protagonistas, ya el segundo acto — como la vida — se encargará de complicar las cosas, pues debido a un accidente, Robot y Dog deberán separarse con la esperanza de volver a encontrarse.

Robot y Dog tendrán que avanzar en separado mientras se encuentran con otros animales y robots con los que conectarán en mayor o menor medida, explorando los vínculos y las conexiones que compartimos entre seres humanos. Me parece acertado el uso de animales y robots, pues siguiendo la simpleza con la que la película se desarrolla, es mucho más sencillo empatizar con ellos sin impartir juicios de ninguna índole. Y es que sin género definido, la relación creada por los protagonistas podría ser la de una pareja, la de una amistad o la de una hermandad y al final de cuentas ser todas ellas y muchas más, tan solo por ser la historia de dos personas/animales/robots dispuestos a compartir un momento de su vida.

Mi amigo robot es una cálida y nostálgica historia que, al ritmo de September, hará vibrar a todo aquel que la vea, desde la punta de los pies hasta las fibras del corazón.

Mi amigo robot te hará vibrar.

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DUNA: EL VIAJE DEL MESÍAS

– por Joshua Solana

«No debo temer. El miedo es el asesino de la mente. El miedo es la pequeña muerte que trae la aniquilación total. Enfrentaré a mi miedo y le permitiré pasar por encima y a través de mí. Y cuando haya pasado, voltearé mi ojo interno para ver su camino. Donde el miedo ha desaparecido, no habrá nada. Solo yo permaneceré». 

El día en que Paul Atreides es llamado a cumplir con su deber como mesías, inicia con el desayuno que comparte con su madre y mentora, Lady Jessica, quien desde sus primeros años lo ha estado entrenando en el uso de «La Voz», un poder mental que sirve para obligar a otros a realizar acciones sin oponer resistencia. Es curiosa la similitud de este poder con el control que Lady Jessica y la orden a la que pertenece de las Bene Gesserit ejercen sobre la comunidad de Arrakis, pues a través de una religión y un mesías anunciado, buscan el dominio y control de todo un planeta.

Paul Atreides fue entrenado para convertirse en el mesías que logrará el control de Arrakis.

La película Duna, dirigida por Denis Villeneuve y dividida en dos partes, estrenó su segunda parte el fin de semana pasado, luego de haber sido reprogramada por la huelga de actores en Hollywood. Duna: parte dos, trae de vuelta el furor por las superproducciones americanas ultrataquilleras. Su director ha sabido entregar una película emocionante y llena de todo lo que esperaríamos dentro de un blockbuster, todo eso que no llegó a ser la última trilogía de Star Wars, Duna lo es. 

La primera parte, estrenada en 2021, estableció los cimientos sobre los que la aventura espacial de la familia Atreides tendría lugar. Comienza el llamado a la aventura de Paul justo una escena después del desayuno con su madre, cuando el así autoproclamado Heraldo del cambio, anuncia a la familia del Duque que han sido llamados por el emperador para gobernar Arrakis, un desértico planeta explotado por el imperio para obtener la especia, un importantísimo recurso utilizado para el viaje intergaláctico. El padre de Paul, el duque Leto, voltea a ver a su hijo justo antes de aceptar el llamado a la aventura, es él el que tiene que  aceptar o no el camino que se trazará con su decisión. Paul duda escenas después, en intimidad con su padre le pregunta «¿Qué tal si no soy el futuro de la casa Atreides?» a lo que el duque le responde: Un gran hombre no busca liderar. Es llamado a hacerlo y contesta. 

Paul Atreides es un mesías negado a serlo.

Antes de finalizar el día del llamado, la orden de las Bene Gesserit llegan para poner a prueba al, por suyo fabricado, mesías. La prueba es impresionante tanto a nivel cinematográfico como esotérico, por un lado la musicalización hecha por Hans Zimmer, así como el montaje y la cinematografía, crean una sensación de ansiedad y miedo que nos permite empatizar con el personaje de Paul, y por otro lado está la prueba en sí, una aguja envenenada sobre el cuello del probado, su mano tiene que ir dentro de una caja donde solo encontrará miedo y deberá permanecer allí el tiempo que dure la prueba. ¿Y cuál es aquel dolor que Paul encuentra? A su madre, preocupada detrás de la puerta. Sintiéndola indefensa y con temor, Paul sufre al ver a su mentora de esta forma, pero de igual manera mentora y alumno se apoyan entre ellos para superar la prueba, «el miedo es el asesino de la mente» dice Lady Jessica armándose de valor. Este enfrentamiento al dolor hace que Paul Atreides permanezca sereno al sufrimiento que encuentra dentro de la prueba final, prueba que le ayudará en su viaje del héroe por las desérticas tierras de Arrakis. 

Lady Jessica, madre y mentora de Paul, es interpretada por Rebecca Ferguson.

Sin embargo, al principio de este viaje Paul está resentido con su madre y con las personas que han ido definiendo el camino que deberá seguir, Denis Villeneuve nos entrega un mesías negado a serlo, pues él es consciente de que ha sido fabricado para el control del pueblo de Arrakis, los Fremen. Fiel a su tradicional forma de abordar las historias, el director nos presenta un personaje perturbado, solitario y desdibujado que a lo largo de las películas comienza no solo a aceptar esta idea mesiánica que han proyectado sobre él, sino que empieza a creerla. Y nosotros, como algunos Fremen, también comenzamos a creer en que Paul Atreides sea realmente un mesías, el Lisan al Gaib como le llaman, pues la segunda parte de Duna se enfoca en cimentar esta idea al preparar a Paul y a Jessica a través de pruebas que tendrán que enfrentar en las peligrosas dunas del desértico Arrakis. Y esto es sumamente interesante, pues la historia transita entre el conflicto político y el religioso, dualidad que enfrenta Paul desde sus progenitores, hijo del duque de una casa importante y de una miembro de la orden monástica de las Bene Gesserit. 

La segunda parte de Duna ya se encuentra en las salas de cine mexicanas y recomiendo ampliamente que se vea en la pantalla más grande que encuentren. Villeneuve está increíble en esta segunda parte, mostrando el poder del desierto que prometió al final de la primera, no deja nada a la imaginación. Desde gusanos gigantes hasta una épica batalla dentro de un coliseo sin color, Duna: parte dos se corona como el mejor blockbuster del año, sin duda será EL evento cinematográfico de este 2024.  

La segunda parte de Duna es visualmente espectacular.

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VIDAS PASADAS: LA ÓPERA PRIMA QUE LLEGÓ A LOS ÓSCARS

– por Joshua Solana

Celine Song es una escritora y realizadora audiovisual nacida en Corea del Sur, tuvo que emigrar a Canadá a la edad de 12 años y estudió dramaturgia en la Universidad de Columbia en Nueva York. Parecida es la vida que lleva su protagonista, Nora Moon, en su ópera prima Past Lives (2023). 

No es coincidencia, muy comúnmente las personas que se dedican al arte tienden a poner una capa de su personalidad dentro de sus obras y Celine Song en esta cinta parte de esa capa personal para contar la imposible historia de amor entre Nora Moon y Hae Sung, una jóven pareja separada, luego de que Nora tuviera que emigrar a Canadá, y quienes vuelven a cruzar caminos veinticuatro años después.

Past Lives tuvo su estreno dentro del festival de Sundance y desde ese momento no se ha dejado de hablar de ella. Es sorprendente el impacto que ha tenido el filme con los espectadores, pues nadie que la haya visto se ha quedado apático hacia la película de Song. Y toda esta conversación que gira en torno al filme la ha beneficiado para llegar a competir por el Oscar a Mejor película, la estatuilla más codiciada que se entregará el próximo 10 de marzo. Celine Song ahora forma parte de una lista muy exclusiva de directoras y directores que han sido nominados a esta categoría con sus óperas primas, dentro de la lista se encuentran directores importantísimos como Orson Wells y Sidney Lumet, y eso en sí ya es un gran logro para la película, así como para la persona encargada de la dirección, a quien habrá que seguir de cerca, pues ha anunciado que ya se encuentra trabajando en su siguiente filme ´The Materialist´.

La puesta en escena siempre nos remarca la separación de los protagonistas.

¿Y por qué se habla tanto de la película? Pues bueno, Past Lives cuenta la historia de Na Young, una joven surcoreana quien tiene una hermosa amistad con Hae Sung, su compañero de clases y rival intelectual. La amistad y esbozo de relación se corta abruptamente luego de que la familia de Na Young tenga que emigrar a Canadá. Su vida del otro lado del hemisferio comienza con el nacimiento de su nuevo nombre: Nora Moon.  Doce años pasan y Nora se reconecta con su viejo amigo gracias a las redes sociales (¿quién no se ha vuelto a poner en contacto con su viejo amor de la secundaria gracias a FB?), es a través de Skype y de Facebook que la relación entre Moon y Sung vuelve a florecer, pero tendrán que pasar 12 años más para que la pareja pueda volver a reencontrarse nuevamente, esta vez en persona. 

La película de Celine Song es identificable, pues toca temas actuales y universales. El amor y el destino son temas centrales dentro de la película, se plantea el concepto del In-Yun, una idea coreana sobre el destino y la conexión entre personas. Según esto, las personas estamos conectadas a través de un vínculo kármico y aquellas con las que hemos compartido más de 8 mil vidas serán con las que terminaremos casándonos. Este concepto se vuelve parte central de la trama, pues representa la idea del destino, de lo ya escrito, de lo que se da por hecho. Ideas todas representadas de igual manera por el personaje de Hae Sung, quien pareciera, a simple vista, la opción más lógica para terminar con Nora, idea que encaja con la del amor idealizado al que estamos acostumbrados. Otro de los ejes en los que se mueve el filme, y el que me resulta más interesante, es la migración. La historia de Nora Moon es la de cualquier otra migrante, teniendo que desprenderse del mundo al que abandonan para adoptar otro, muchas veces muy distinto y hostil. El personaje de Nora es interesante, ya que muestra esta lucha interna entre lo que fuimos y lo que somos. Este pasado representado por su antiguo amor juvenil, Hae Sung, y su presente occidental, personificado en su esposo americano, Arthur. Y la directora, cómo no, entiende el conflicto que vive un migrante y lo ejemplifica de maneras muy tiernas y sencillas, como un marido que se esfuerza en aprender el idioma de su esposa, pues ella, a pesar de hablar únicamente en inglés, sigue soñando en su lengua materna.

El personaje de Nora es interesante, pues muestra la lucha interna entre lo que somos y lo que fuimos.

Me resulta particularmente interesante cómo es que los espectadores nos hemos relacionado con la película, pues con el guion, y desde la primera escena, se busca romper los estereotipos y lugares comunes en los que el filme podría caer. Sin embargo, hay una gran discusión al respecto de las decisiones que la protagonista realiza o deja de realizar, pero en esto la puesta en escena y en cámara es contundente, como si el mismísimo In-Yun dictaminara lo que inevitablemente sucederá, pues la dirección de Celine Song siempre remarca la división entre Hae Sung y Nora Moon, desde que se separan por primera vez, hasta su última despedida en la ciudad de Nueva York.

Como si el mismísimo In-Yun lo dictaminara, siempre hay algo que impide a los protagonistas estar juntos, en este caso el tubo del metro separa a Nora de Hae Sung.

Y es desde la sencillez desde donde la ópera prima de Song brilla, pues la película se toma sus tiempos, no utiliza demasiados planos en el montaje y alarga lo suficiente las secuencias para plantear con calma las situaciones dentro de la historia. Rememorando al cine de Richard Linklater, Noah Baumbach, Greta Gerwig y Woody Allen, Song utiliza los paisajes de Nueva York para que sus personajes den largos paseos mientras conversan sobre cualquier cosa. Sin duda es un gran comienzo para la carrera cinematográfica de Celine Song, a quien estaremos siguiendo muy de cerca en sus próximos proyectos. 

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Los que se quedan: decadencia y percepción

LOS QUE SE QUEDAN:

DECADENCIA Y PERCEPCIÓN

– por Joshua Solana

En sus Meditaciones, Marco Aurelio, el emperador romano y uno de los personajes más representativos de la filosofía estoica, escribe una cita atribuida a Demócrito: “El mundo es decadencia, la vida es percepción”. La tesis de “Los que se quedan” camina por esa misma línea, pues la cinta de Alexander Payne cuenta la historia de tres personajes quienes tendrán que aceptar las cosas que no se pueden cambiar y entender que lo único que pueden hacer es modificar su perspectiva hacia ello.

Dentro de una privilegiada preparatoria americana, un inteligente pero incómodo profesor, una cocinera en luto y un alumno que no puede regresar a casa, tendrán que pasar las fiestas navideñas juntos. 

Paul Giamatti da vida al incómodo profesor Paul Hunman.

The Holdovers o “Los que se quedan”, es una película estadounidense que a simple vista pareciera otra historia más sobre un grupo de personas solitarias y diferentes obligadas a congeniar en la celebración más familiar del año, pero afortunadamente, ésta no es una más del montón; sino que el guion, escrito por David Hemingson, toma el escenario y los arquetipos preestablecidos y juega con ellos, dándoles una profundidad con la que se empatiza cada vez más escena a escena. Al principio de la película se nos presentan personajes incómodos, indiferentes y ensimismados que poco a poco, a medida que los conocemos y se conocen entre ellos, se vuelven más identificables y por lo tanto comprensibles. Y es que esta idea de la empatización con el otro es el tema sobre el que gira la película del director Alexander Payne, conocido por abordar problemáticas sociales y políticas desde la comedia, el humor negro, la sátira y el cínismo. En The Holdovers nada de eso queda fuera.

El filme está situado en un prestigioso internado de Nueva Inglaterra de los años 70s, un profesor especializado en civilizaciones antiguas tendrá que quedarse a supervisar a los alumnos que tienen que pasar, por razones diversas, las fiestas en la escuela. Uno de estos jóvenes es Angus Tully, un joven problemático – una clase de Holden Caulfield – que no puede volver a casa estas vacaciones ya que su madre ha agendado aquellos días para tener la luna de miel con su nuevo padrastro. Acompañándolos, está Mary Lamb, la cocinera en jefe de la escuela, quien acaba de perder a su hijo gracias a la guerra de Vietnam. Luego de un par de días, y ya habiéndonos familiarizado con el enfoque clásico que parece tener la película, el padre de uno de estos niños aterriza su helicóptero en el campus y ofrece llevarse al resto a esquiar, pero la madre de Angus nunca contesta el teléfono, por lo que el único en la escuela será él, junto al incómodo profesor Paul Hunham y Mary Lamb (interpretada por la grandiosa Da’Vine Joy Randolph). Este giro, increíblemente efectuado por el guionista, ayuda a reforzar el sentimiento de abandono con el que los personajes luchan a lo largo de la película. 

Alexander Payne invita al espectador a un viaje de aceptación a través de estos tres personajes, personajes con un futuro en ruinas y con un presente dentro de un limbo, limbo representado por el edificio en el cual están atrapados, una vieja escuela de los 1800s. El primero de ellos, el profesor Paul Hunham, tiene estrabismo y una condición de trimetilaminuria que le provoca un fuerte olor a pescado- Ha pasado los últimos 30 años de su vida dando clases en el colegio, ajeno al mundo fuera del campus y con el sueño frustrado de escribir una monografía, no un libro, una monografía, pues no es capaz siquiera de soñar un sueño completo, como bien tiene a decirle Mary con el confrontamiento tan directo que utiliza el cínico director durante toda la película. El otro, el estudiante Angus Tully, es un joven rebelde e inteligente que se siente fuera del mundo adolescente, recientemente ha perdido a su padre y se niega a seguir avanzando con la vida, vive con el pesar de que su madre ya lo está haciendo. Mary Lamb, por último, pero sin duda de la que más podría hablar, es la jefa de cocineras dentro del instituto, llegó al colegio para poder aprovechar la beca de empleada y meter a su hijo Curtis a la prestigiosa escuela. Ahora, Mary vive el duelo de haber perdido recientemente a su hijo, pues falleció en la guerra luego de enrolarse para buscar una mejor educación universitaria gracias a las becas que ofrece la milicia. Ella prefiere quedarse dentro de la escuela, pues siente que su hijo se encuentra allí, por lo que rechaza la invitación de su hermana embarazada para pasar las vacaciones en su casa. 

Da’Vine Joy Randolph fue nominada a Oscar a Mejor Actriz de reparto por su grandioso papel como Mary Lamb.

Así, esta peculiar familia que hacen Mary, el profesor Hunham y Angus, logra que nosotros como espectadores vayamos conociéndolos a medida que los personajes se toman la molestia de conocerse entre ellos. ¿Y qué es lo que tienen en común estos tres sujetos? Pues aquello que tenemos todos en común: nuestro dolor. Y es en este punto de encuentro universal en el que nuestros protagonistas logran una conexión que trasciende la pantalla y, como hace una buena película, nos identifica a nosotros en ellos. 

Paul Giamatti, Da’Vine Joy Randolph y Dominic Sessa forman una peculiar familia en Los que se quedan.

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Hojas de otoño, o un breve encuentro con la humanidad

HOJAS DE OTOÑO,

o un breve encuentro con la humanidad.

– por Joshua Solana

La función termina, las luces se prenden, las puertas se abren y el público sale. Esperando afuera del cine, un hombre llamado Holappa busca entre los asistentes a una mujer con la que coincidió días antes, Ansa, una empleada de supermercado solitaria, perteneciente a la clase trabajadora de Helsinki, Finlandia. Entre el bullicio, Holappa busca a la única persona con la que se puede sentir acompañado. 

Si tuviera que explicar el cine de Kaurismäki a alguien que nunca ha visto alguna de sus películas, iniciaría por describir esta escena. La calidez con la que el director retrata la vida simple y cotidiana de una sociedad que podría ser cualquiera, así como el entendimiento que tiene sobre la crudeza humana, los sentimientos básicos y la lucha del individuo por pertenecer, logran de manera magistral una atmósfera ya característica dentro del cine del finlandés.

Hojas de Otoño, o Kuolleet lehdet en su idioma original, cuenta la historia en conjunto de dos personas solitarias que luchan día a día con el peso de vivir en una sociedad empobrecida y en la que parece que el individualismo ha triunfado sobre la colectividad, así como con el recuerdo constante de una guerra sinsentido que luchan los países vecinos. Ansa y Holappa son dos obreros, ella una empleada de supermercado y él un alcohólico peón de la industria constructora, solitarios y anónimos que, gracias a un breve encuentro dentro de un karaoke en donde cruzan sus tiernas y abandonadas miradas, lograrán encontrar en el otro un puerto seguro donde descansar. El guion, escrito por el mismo Kaurismäki, no se molesta en mostrar más que la historia de una pareja cualquiera, momentos de la cotidianidad que nos recuerdan lo universal de estas historias, y cómo surge en ellos algo tan valioso como mundano: la conexión entre individuos.

Esta película es parte de la tetralogía llamada por el mismo director como su serie del proletariado, compuesta por Sombras en el paraíso (1986), Ariel (1988) y La chica de la fábrica de cerillas (1990), tetralogía en la que el director ha podido abordar desde la mirada anónima de la clase trabajadora preguntas tan universales como el cómo se desenvuelve el ser humano, qué es lo que nos hace ser quienes somos y, sobre todo, de dónde sacamos las fuerzas necesarias para seguir esperanzados en esta vida tan desesperanzadora.

Sombras en el paraíso (1986), la primera película de la tetralogía del proletariado.

Kaurismäki, sin embargo, no es ningún optimista. En una entrevista para el diario español The Objective (2018), revela que no tiene ninguna de sus esperanzas puesta en el ser humano, lo considera, según sus palabras, un error en la naturaleza. Él prefiere pensar mayoritariamente en el concepto de humanidad, pues cree, como sus películas lo han demostrado en infinidad de momentos, que son los lazos y las conexiones que hacemos con el otro lo que nos ayuda afrontar a este mar de gentes que vemos salir de la función, esperando encontrarnos con la cara que reconocemos y que nos reconoce como humanos.

Kaurismäki nos presenta la tierna relación entre Ansa y Holappa.

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Árbol Rojo inició el año con la multipremiada «Anatomía de una Caída»

ÁRBOL ROJO INICIÓ EL AÑO CON LA MULTIPREMIADA

ANATOMÍA DE UNA CAÍDA

En alianza con Diamond Films y Cinépolis, se presentó el preestreno comercial en Chetumal de Anatomía de una caída, de Justine Triet para celebrar nuestra 6ta Gala de Invierno. Gala que se ha destacado por llevar importantes preestrenos comerciales a la región, como “The square: la farsa del arte” en 2017, “Cold war” en 2018, “Parásitos” en 2019, “Benedetta” en 2021 y “Tar” en 2023.

Este jueves 11 de enero, del mismo modo que Árbol Rojo A. C. ha venido haciendo desde el 2017, se celebró la Gala de Invierno en Cinépolis Chetumal cuyo motivo siempre es agradecer a nuestros amigos, patrocinadores y aliados por el todo el apoyo brindado a la asociación durante el año inmediato anterior. Árbol Rojo ha permanecido y crecido más allá del sureste por el invaluable apoyo de los aliados, patrocinadores y otros festivales del país que se unen para que la exhibición, la promoción y la formación pueda llegar a todos los rincones del territorio mexicano.

La multipremiada película Anatomía de una caída, de la realizadora Justine Triet fue la protagonista de la noche. Ganadora de la Palma de Oro en el pasado Festival de Cannes, Mejor guion y Mejor película de habla no inglesa en los premios Globos de Oro 2024, ganadora a Mejor película, dirección, actriz, guion y montaje en los Premios de Cine Europeo (EFA), tiene 16 nominaciones en diferentes festivales y está seleccionada para competir en los premios Oscar 2024. Sin lugar a duda, una película que ha dado mucho de qué hablar en esta temporada de premios, historia de una relación en decadencia, un misterioso asesinato y una puesta en escena sublime que muestra cómo la perspectiva de cada uno es única y valiosa.

En Árbol Rojo seguimos comprometidos con la misión de descentralizar la exhibición cinematográfica y llevar grandes filmes al sureste del país, por lo que tuvimos el placer de compartir con nuestros asistentes e invitados una velada donde el amor por el séptimo arte nos reunió en nuestra ya tradicional Gala de Invierno. 

Mantente conectado a nuestras redes sociales para conocer las próximas actividades que estaremos presentando a partir del próximo mes de febrero.

¡Gracias por acompañarnos un año más!

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Nuestros top 10 del 2023

El 2023 trajo consigo notables películas y arriesgadas apuestas para la próxima temporada de premios. Los miembros del equipo de Árbol Rojo han elaborado listas con sus top 10 personales del año. Te invitamos a considerar ver estas películas si aún no lo has hecho.

Top 10 Laura García

10. 20,000 especie de abejas (dir. Estibaliz Urresola Solaguren)
 9. Anhell69 (dir. Theo Montoya)
 8. Priscilla (dir. Sofia Coppola)
 7. The Tuba Thieves (dir. Alison O’Daniel)
 6. Passages (dir. Ira Sachs)
 5. Barbie (dir. Greta Gerwig)
 4. When it Melts (dir. Veerle Baetens)
 3. Final Cut (dir. Michael Hazanavicius)
 2. Tótem (dir. Lila Avilés)
 1. Smoke Sauna Sisterhood (dir. Anna Hints)

«Para mí, ‘Smoke Sauna Sisterhood’ es el perfecto ejemplo de que un proyecto muy local puede transmitir algo muy universal. Mujeres estonias ordinarias sentadas en el vapor, hablan por una hora y media sobre las dificultades con sus familiares, sobre dolor y oncología, sobre violencia, sobre muerte. Después de eso, uno se va con la clara sensación de que te bañaste con ellas. Bañados por fuera, pero más importante, por dentro. Sientes cómo el agua y el sudor se llevan todo. Se lava todo en ese espacio confinado.»

– Laura García

Top 10 Pepe Ruiloba

10. Oppenheimer (dir. Christopher Nolan)
 9. Anatomy of a Fall (dir. Justine Triet)
 8. May December (dir. Todd Haynes)
 7. Do Not Expect Too Much of the End of the World (dir. Radu Jude)
 6. Beyond Utopia (dir. Madeleine Gavin)
 5. The Missing (dir. Nicholas D. Johnson, Will Merrick)
 4. Barbie (dir. Greta Gerwig)
 3. The Zone of Interest (dir. Jonathan Glazer)
 2. Are You There God? It’s Me, Margaret. (dir. Kelly Fremon)
 1. All of Us Strangers (dir. Andrew Haigh)

«Con apenas su segunda película, ‘Weekend’ (2011), Andrew Haigh ya había entrado al canon de directores de películas LGBTQ+ que se podrían considerar clásicas del género, a pesar de tratarse de una producción moderna. Haigh luego dirigió la serie de HBO, «Looking», y ahora presenta «All of Us Strangers», una adaptación libre de la novela de Taichi Yamada. En esta, el cineasta inglés le da a la historia un toque semiautobiográfico, en donde un escritor está escribiendo sobre sus padres y realiza varias visitas a la casa de su infancia. Esto, mientras tiene un tórrido romance con su vecino. Lo que Haigh logra aquí es increíblemente difícil: por medio de la especificidad de la experiencia de un hombre gay en sus cuarentas, la película utiliza los fantasmas del pasado para informar el presente, con el miedo a la soledad como una sombra del miedo a la conexión, y la búsqueda de la felicidad como un anhelo persistente. Y al centro, Andrew Scott dando la actuación del año, acompañado por unos extraordinarios Claire Foy, Jamie Bell y Paul Mescal. Hipnotizante y melancólica a la vez, su efecto es sumamente conmovedor.»

– Pepe Ruiloba

Top 10 Mauricio Orozco

10. The Boy and the Heron (dir. Hayao Miyazaki)
 9. Cerrar los ojos (dir. Victor Erice)
 8. Perfect Days (dir. Wim Wenders)
 7. Tótem (dir. Lila Avilés)
 6. Fallen Leaves (dir. Aki Kaurismaki)
 5. Killers of the Flower Moon (dir. Martin Scorsese)
 4. Anhell69 (dir. Theo Montoya)
 3. Vanskabte Land (Godland) (dir. Hlynur Pálmason)
 2. Samsara (dir. Lois Patiño)
 1. La memoria infinita (dir. Maite Alberdi)

«‘La memoria infinita’ es un documental que parte desde una construcción emotiva para configurar una biografía personal y nacional, teniendo en cuenta la vida de Augusto Góngora para hablar de la chilena. Las imágenes imperfectas de Maite, llenas de poder y realismo, que desde el grado de cercanía que usa, propone una inmersión a lo privado gestan un valiosísimo acto de memoria y trascendencia, un homenaje a un hombre que dio su vida a la construcción de una memoria nacional realista y humana.

Olvidar es perderse, es dejar de ser alguien, es una separación del cuerpo y alma, que nunca más se vuelve a unir, pero por más que olvidemos quienes somos, nuestras palabras y acciones perdurarán y trascenderán en el tiempo.»

– Mauricio Orozco

Top 10 Alejandro Silveira

10. Upon Entry (dir. Juan Sebastián Vásquez, Alejandro Rojas)
 9. Barbie (dir. Greta Gerwig)
 8. Anhell69 (dir. Theo Montoya)
 7. Priscilla (dir. Sofia Coppola)
 6. Tótem (dir. Lila Avilés)
 5. Passages (dir. Ira Sachs)
 4. Anatomy of a Fall (dir. Justine Triet)
 3. Killers of the Flower Moon (dir. Martin Scorsese)
 2. Oppenheimer (dir. Christopher Nolan)
 1. The Zone of Interest (dir. Jonathan Glazer)

«‘The Zone of Interest’ es una obra visionaria, audaz y escalofriante sobre el Holocausto con una mirada distinta al tema narrado desde la célebre creatividad de Jonathan Glazer. Una historia brutal que te deja noqueado por la cruel indiferencia ante el mal mediante un brillante y despiadado análisis social, tan pavoroso como los hechos que no muestra y que se bosquejan siniestros durante toda la película. Han sido 106 minutos de no parar de sentir desde la butaca, una butaca que nunca ha sido tan fría como la del gran Teatro Matamoros de la ciudad de Morelia donde pude verla en la edición 21 del FICM.»

– Alejandro Silveira

El próximo año promete ser uno emocionante, de más cine y grandiosas películas. Estamos ansiosos por ver el nuevo contenido fílmico que traerá el 2024. De parte de los colaboradores y todo el equipo que conforma Árbol Rojo, les deseamos un feliz Año Nuevo.

¡Nos vemos en el 2024 para ver y hablar más de cine!

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Los Habitantes

LOS HABITANTES

 – Por Samuel Sánchez

La ópera prima del director Homero Bueno busca plasmar el terror psicológico y suspenso como elementos unificados para contar las adversidades que un ser humano vive cuando se encuentra en un proceso de superación personal, que puede entenderse con la concepción de una misma persona carga cadenas de su pasado y de esa misma manera no ser consicente que está llevando a cabo esta metamorfosis de superación y en el mismo trance poder vivir una crisis existencial, donde la noción de lo terrenal se desvanece, al proseguir el duelo del trauma que con mayor frecuencia se manifiesta sin ser deseado como un fantasma atormentado. 

Los Habitantes (2023) nos expone cómo el terror puede ser apreciado en cualquier estado de la república mexicana, al seguir la historia de Emiliano, un hombre de familia que vuelve a Monterrey para crecer su negocio y darle una mejor calidad de vida a su familia; dentro de dicha psique de tener una vida perfecta, Emiliano afrontar las secuelas de haber tenido un accidente 4 años atrás, dando paso a una cadena de eventos que lo llevarán al límite de la locura por tener que lidiar con los fantasmas de su nueva vida. En lo que parece ser una nueva oportunidad de crecimiento, existe un trasfondo tenebroso que busca salir a la luz, Emiliano, aunque aparenta tener todo bajo control, en su inconsciente guarda lo que puede ser una presencia tenebrosa que busca atormentarlo en su nuevo hogar, convirtiéndose en un impedimento para que él tenga una clara noción de la realidad.

El largometraje filmado al norte de la república demuestra como el mexicano en su realización, cuenta con un lenguaje narrativo enriquecedor que permite generar un ambiente terrorífico tanto en espacios amplios como reducidos, causando en la audiencia una sensación de persecución paranormal sin tener claro el por qué dicha figura busca atormentan a un hombre, que lo único que parece que haber hecho en su vida es tener un estándar de calidad y beneficiar a todos sus seres queridos a su alrededor.

La premisa se presenta como una película de terror convencional, un conocido entendimiento colectivo que existen presencias paranormales que atormentan a los nuevos habitantes de una casa, sin embargo al avanzar la trama el director nos hace replantearnos qué estamos viendo: llega un momento donde el espectador ya no sabe a ciencia cierta qué es lo que le está pasando al personaje de Emiliano, porque por un lado creemos que existen espíritus en la casa que buscan trastornan su mente por un intento de venganza para un alma torturada, pero por el otro lado nos encontramos ante un ser humano que está develando sus traumas para poder lidiar con una atrocidad que hizo en el pasado la cual no deseo en lo absoluto que ocurriera.

La película genera un cuestionamiento al público de qué realidad está viendo, porque en un inicio se dan los indicios que el personaje acabará torturado por entidades que se nutren de su miedo, pero no obstante por cada nueva pista que va recolectando Emiliano, nos damos cuenta que tal vez lo que está viendo es más su arrepentimiento. Es ahí donde la historia puede ser un momento decisivo para el espectador, este cambio radical de suspenso al terror psicológico, de cierta manera causó un estrago por definir qué es lo que se está viendo. En el pasado han existido películas como Los Otros (2001) donde sí han ocurrido estos giros de tono, pero no necesariamente este estilo queda con toda historia. Es un claro ejemplo que un largometraje que tiene una extraordinaria realización, pero necesita solidificar más el argumento central para que en el momento que se hiciera este cambio, se sintiera más orgánico y no tan abrupto.

 

Un elemento destacable del proyecto es su fotografía y sonido, en específico los planos iniciales transportándonos a un sombrío Monterey, el montaje logra construir un aura de verdadero terror con movimientos de cámara, varios puntos de esta ciudad norteña. Sin ser intención del autor, logró construir de forma referencial la fotografía de John Alcott en El Resplandor (1980) donde los movimientos de cámara área que se plantean, sirven para indicarnos hacia dónde va el tiro, causando una incertidumbre de no conocer si el lugar donde se dirige el movimiento pone en peligro al personaje o es meramente una introducción terrorífica al entorno donde se va desarrollar la trama.

Se le puede considerar un largometraje de verse una sola vez, al ser esta trama que, al conocer su resultado, volverla a ver, no causa la misma intriga o despertar por ver nuevamente un momento clave donde el espectador diga: “claro ahí me dieron todas las pistas”. Sin embargo, debemos estar atentos al nuevo trabajo del director Homero, entiendo que esta es su ópera prima, puede llegar a tener en un futuro un lenguaje audiovisual que establezca un estándar en México, donde los realizadores somos capaces de generar terror de una forma que el resto del mundo no podrá tener, por nuestro acercamiento y aceptación a la muerte.

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Árbol Rojo comenzó el 2023 con la aclamada “TÁR” de Todd Field en su Gala de Invierno

ÁRBOL ROJO COMENZÓ EL 2023 :

con la aclamada “TÁR” de Todd Field en su Gala de Invierno

 

 – Por Árbol Rojo

La reconocida cinta “TÁR” del realizador Todd Field se presentó este jueves 12 de enero, gracias a la colaboración con Universal Pictures y la alianza con Cinépolis, en una función especial para la capital de Quintana Roo.

Árbol Rojo presenta por 5to año su tradicional Gala de Invierno. Como es costumbre esta función especial se distingue por ser un pre-estreno comercial. En 2017 se presentó “The Square: la farsa del arte” del realizador sueco Ruben Östlund, en 2018 llego “Guerra fría” del polaco Pawel Pawlikowski y en 2019 la ganadora de Oscar a mejor película y mejor película internacional “Parásitos” de Bong Joon-Ho. Después de que durante el 2020 no presentáramos función por motivos de la pandemia, en 2021 tuvimos el placer de exhibir “Benedetta” del gran realizador Paul Verhoeven. Ahora gracias al invaluable apoyo de Universal Pictures presentamos la aclamada “TÁR” de Todd Field.

Todd Field responsable de cintas como: “In the bedroom” (2001) y “Little children” (2006) presenta “TÁR” donde la mundialmente famosa Lydia Tár está a solo unos días de grabar la sinfonía que la llevará a las alturas de su ya formidable carrera. La notablemente brillante y encantadora hija adoptiva de Tár, Petra, de seis años, tiene un papel clave en la tarea. Y cuando los elementos parecen conspirar contra Lydia, la joven es un apoyo emocional importante para su madre en apuros.

El filme que ha recorrido varios festivales como Venecia y Nueva York es protagonizado por la dos veces ganadora del Oscar Cate Blanchett. Estuvo nominado a 3 globos de oro incluyendo mejor cinta dramática y actriz drama ganando este último premio Blanchett, 7 nominaciones a los Critics´Choice y gano como mejor película en los las asociaciones de críticos de Nueva York y Los Ángeles.

 

Pronto anunciaremos los planes que tenemos para este 2023.

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